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Un sélection d'artistes

Alan Stivell

Alan Stivell
S'il a connu ses plus belles heures de gloire dans les années 70, le musicien-chanteur Alan Stivell a su rebondir au cours des dix dernières années et reste un des chefs de file internationaux de la culture musicale celtique. Né en Auvergne (Riom) mais d'une famille d'origine bretonne, le petit Alan  découvre en 1953 - à 9 ans - une harpe celtique reconstituée à l'ancienne par son père. Il s'y initie sérieusement ainsi qu'à des instruments traditionnels comme la bombarde et la cornemuse, étudie la mythologie et l'art celtes, et dès 1960 consacre son premier album à la fameuse harpe. Il y ajoute ensuite le chant et profitant de la vague folk propice à une quête d'identité régionale, il va toucher un large public jeune, en particulier avec l'album de 1971, Renaissance de la harpe celtique, où figurent des musiciens émérites du moment : le guitariste électrique Dan Ar Braz, le bassiste Michel Santangelli, le chanteur Gabriel Yacoub, futur leader du groupe Malicorne. Mélangeant tradition, recherche et modernité en s'appuyant sur une vraie carrière internationale, le moderne barde va enregistrer une vingtaine d'albums (notamment La Symphonie celtique en 1980 et Au-delà des mots en 2002), collaborer avec des artistes de sensibilités multiples (Kate Bush, Shane MacGowan  des Pogues, Doudou N'Diaye Rose, Laurent Voulzy, Youssou N'dour, Khaled, Jim Kerr de Simple Minds, Paddy Moloney des Chieftains, Gilles Servat, Tri Yann...) et rester une figure marquante régulièrement invitée dans des manifestations emblématiques comme le Festival Interceltique de Lorient et la Nuit Celtique au Stade de France.

I Muvrini

I Muvrini

Quand on voit le succès national et international du groupe créé par les frères Bernardini (Jean-François et Alain) et dont le premier album est sorti en 1979, on n'imagine pas ce qu'il a fallu de courage et d'obstination. Traités de "ringards" et autres gracieusetés pour avoir la prétention de défendre la tradition musicale corse, tout en poursuivant une démarche citoyenne, "partisane" même au début, ces "mouflons"-là (traduction de "I muvrini") n'ont commencé à vivre de leur métier qu'à partir de 1996, 4 ans après leur premier Zénith, et avec déjà une quinzaine de disques à leur actif. Avant cette période marquée par une Victoire de la Musique du meilleur album de musique traditionnelle, ils avaient cependant acquis la reconnaissance de pairs nommés Jacques Dutronc, Michel Fugain ou Véronique Sanson, d'autres artistes se révélant à leur tour gourmands d'associer leur chant à ces voix magnifiques, de Serge Reggiani à Lluis Llach ou Sting, jusqu'à Cheb Mami et Stephan Eicher dans leur album Umani (Humains) de 2002. Quant aux purs et durs qui leur reprochent parfois d'avoir modernisé ici et là l'instrumentation, Jean-François Bernardini répond : "Moi, je fais de la musique, pas de la musicologie."

Misia

Misia
Susana Maria Alfonso de Aguiar est née en 1955 à Porto. C'est dans les maisons de fado de sa ville natale, qu'elle s'initie au registre du fado, reflet de l'âme lusophone et de sa fameuse saudade. Misia part ensuite en Catalogne, d'où sa mère est originaire, et découvre l'Espagne en pleine movida post Franco. que ce soit à Barcelone ou à Madrid, Misia accumule les expériences scéniques et mûri son projet de promouvoir un fado modernisé. Misia rentre au Portugal, où elle se crée un personnage bien à elle, avec sa coupe au carré à la garçonne.

Comme nul n'est prophète en son pays, la tentative de Misia est d'abord mal perçue au Portugal. Le salut vient de l'Espagne et du Japon, puis de la France, pays moins marqués par la tradition du fado. Si Misia en 1991 et Fado en 1993 ne reçoivent que peu d'échos favorables, les choses évoluent positivement avec Tanto Menos Tanto Mais en 1995. L'album reçoit en France le Grand Prix de l'Académie Charles Cros, il marque le début de l'histoire d'amour entre Misia et le public français.

Enfin reconnue, Misia poursuit un parcours discographique sans tache avec Garras dos Sentidos (1998), Paixoes Diagonais (1999), et Ritual (2001). Misia se consacre ensuite à différents spectacles, qui tous mettent en exergue son projet de néo-fado, célébrant la rencontre de la tradition et d'arrangements actuels. Misia reçoit également de nombreuses décorations, elle est nottament faite Chevalier de l'Ordre des Arts et des Lettres par le Gouvernement Français en 2004.

Misia peut s'enorgueillir d'avoir fait entrer le fado, dans des lieux et des pays où il n'avait jamais été joué jusqu'alors. Pour Canto en 2003, Misia s'appuie sur des musiques de Carlos Paredes, grand guitariste de fado. Pour Drama Box en 2005, Misia s'évade du fado pour aborder boléros et tangos, en compagnie d'invitées comme Fanny Ardant et Maria de Medeiros. Cette même année, Misia s'installe en France.

Le double album Ruas en 2009, est décliné en deux parties. L'une intitulée Lisboarium est constituée de reprises de fados anciens, tandis que & Tourists s'ouvre à des titres d'artistes dont la vie évoque les thèmes du fado. Misia dit qu'il s'agit d'artistes ayant l'âme "fadiste". Et l'âme est bien le centre du fado. Son spectacle Senhora da Noite en 2011 est un retour à un fado plus traditionnel, avec des textes écrits exclusivement par des femmes. Il trouve son prolongement sur disque en novembre 2011.

Copyright 2014 Music Story François Alvarez

Un sélection d'albums

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Kek Lang

Romany Songs / Chants Roms

Romany Songs / Chants Roms
« Like a Hobo » est d'ores et déjà le titre du début d'année 2009. Rythme entre soul et folk, mélodie sifflée en introduction, personnage attachant mis en scène dans un clip efficace, les ingrédients sont réunis pour imprégner les mémoires.

Charlie Winston sort l'album Hobo, qui ne contient pas seulement « Like a Hobo » mais tout son univers. Un univers impeccablement « mis en son » par Mark Plati, producteur de Will Downing ou David Bowie période Earthling (1997).

Amateur de voyages, la thématique du hobo n'est pas là par hasard, Charlie Winston est doué d'une grande souplesse vocale. Ses changements de tonalité sont assez impressionnants tout au long de l'album.

L'album démarre en trombe avec « In Your Hands » et le déjà tube « Like a Hobo », « Kick the Bucket » et son intro beatboxée se révèle un titre à la capacité addictive certaine. Cette première partie d'album ne permet pas de classifier Hobo, si ce n'est dans la catégorie des albums à forte personnalité.

Mais les routes sont longues et sinueuses, « I Love Your Smile » est une ballade trop commune. « Boxes » est un titre touchant sur l'enfance, une réflexion sensible sur l'évolution de la société et de l'individu. « Calling Me » reste sur un tempo lent, Charlie Winston s'empêtre un peu dans un registre romantique un peu mou. La partie centrale de Hobo s'écoute en fond et s'oublie vite.

Autour du feu de camp, les vagabonds se racontent des histoires dans un savoureux mélange de langues, le drolatique « Tongue Tied » est réjouissant, les violons et l'orgue (beatboxé ?) soulignent efficacement la voix déchaînée de Charlie Winston qui nous entraine dans une déclaration d'amour délirante.

« Soundtrack to Falling in Love » est l'occasion d'un dialogue avec Liza Manili (ne pas confondre...) pour une chanson des plus rafraichissantes qui hausse le ton sur la fin. « Every Step » est une vraie ballade de hobo que le hobo céleste, Robert Zimmerman, n'aurait pas reniée.

Un grand album se reconnaît à une ouverture forte et à une conclusion puissante. Alors Hobo est un grand album. « My Name » laisse l'auditeur pantois de longues minutes après le terme de ses 4'28 '' de durée. Ce titre magistral dans son introduction au piano, donne à Charlie Winston une dimension de crooner, « My Name » est épique, lancinant, déchiré. Oui M. Charlie Winston nous retenons votre nom, et plutôt deux fois qu'une.



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Manitas de Plata

La Guitare D'or De Manitas

La Guitare D'or De Manitas
Manitas de Plata règne sur la guitare flamenca depuis trois décennies. Quand sort cet album en 1972, le Gitan étonne par son incroyable dextérité sur l'instrument. Cependant, il n'est pas qu'un virtuose, c'est aussi un (re)créateur de thèmes flamenco qui fait resurgir toute l'histoire de cette musique aux origines lointaines.

Le guitariste dessine mille arabesques avec ses doigts, offrant à la fois le caractère rude et rythmique du genre dans « Soleares Rumbita » ou « Alegria del Castillo », ou son versant raffiné et complexe dans « Seguidillas de Noche » et « Guitarras Moresca ». Pour leur part, « Sangre Flamenco » et « Guitarra de Oro » sont des sommets devenus des chevaux de bravoure du roi Baliardo.

La Guitare d'Or de Manitas voit son auteur à la plénitude de son art, fidèle à la tradition et maître de son ouvrage.

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António Zambujo

Quinto

Quinto
Désormais amplement reconnu internationalement, Antonio Zambujo ne tremble pas au moment de sortir son cinquième disque. Déjà livré au Portugal depuis avril 2012, Quinto est enfin disponible en France quelques six mois plus tard.

L'attente et l'espoir étant deux des composantes de la sensibilité du fado, ce délai ne rend qu'encore plus appréciable le résultat de Quinto. Dans son style désormais bien connu qui mêle fado, musique brésilienne, et musique traditionnelle portugaise, Antonio Zambujo atteint de nouveau les sommets. Produit comme à l'accoutumée par Ricardo Cruz, Quinto fait preuve d'une élégance de tous les instants.

Que ceux qui n'entendent que tristesse dans le fado, se penchent sur le volontairement enjoué « Fado deconcertado » pour revoir des certitudes qu'Antonio Zambujo se fait un malin plaisir de mettre à mal. Le chanteur et compositeur fait preuve d'une créativité énorme avec « Algo estranho acontece », qu'il est bien difficile de loger dans l'étroitesse d'une quelconque case. Latin jazz et bossa nova se sont données un rendez-vous galant sur « Fortuna », ouvert à tous les plaisirs.

« Flagrante » balance lui aussi sur des rythmes nés du côté de Rio de Janeiro. Antonio Zambujo n'oublies pas la méconnue tradition polyphonique portugaise à qui il offre « O que é feito dela ? ». Sûr que du côté de son Alentejo natal on doit apprécier de se retrouver convié à un si beau festin. Que les plus sensibles à la voix d'or d'Antonio Zambujo et aux affres de la saudade se rassurent, Quinto leur offre aussi leur ration avec « So pode ser amor » ou « Lambreta ».

En l'espace de cinq disques et de quelques tournée au périmètre croissant, Antonio Zambujo est tout simplement devenu un acteur majeur de la scène latine tout en préservant son originalité et sa simplicité. Et plutôt cinq fois qu'une.

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